Dal 28 novembre 2026 al 21 marzo 2027

Al Museo Nivola di Orani (NU) prosegue Nivola vis-à-vis, il programma espositivo ideato dalla direttrice Chiara Gatti e dedicato all’approfondimento degli aspetti ancora inediti della ricerca di Costantino Nivola (1911-1988), mettendola in relazione con il tempo che ha attraversato, le tendenze che ha abbracciato e le figure che, realmente o idealmente, hanno intrecciato il proprio percorso con il suo.

Avviato nel luglio 2026 con la mostra Nivola, Colombo e lo spazio intorno, il progetto prosegue dal 28 novembre 2026 al 21 marzo 2027 con due nuove esposizioni: Ruth Guggenheim Nivola. Sculture leggere e Munari e Regina. Le affinità concrete. A queste si affianca il riallestimento della collezione permanente, Collezione. Capitolo primo. Andando, curato dallo staff del Museo Nivola con la consulenza dell’architetto Alessandro Floris e del designer Leonardo Sonnoli.

A completare idealmente questo articolato programma espositivo è la grande mostra antologica Costantino Nivola. Scolpire il vento, a cura di Cecilia Alemani, che la Triennale di Milano dedica all’artista sardo dall’11 novembre 2026 al 14 febbraio 2027 e alla quale il Museo Nivola partecipa con una serie di importanti prestiti.

Ruth Guggenheim Nivola. Sculture leggere
A cura di Chiara Gatti
Museo Nivola, Ex Lavatoio, 28 novembre 2026 – 21 marzo 2027

Il Museo Nivola presenta un progetto espositivo inedito volto ad analizzare la figura di Ruth Guggenheim (1917-2008), moglie di Costantino Nivola, attraverso le opere in arrivo dalla collezione degli eredi dell’artista, a Boston. 

Ruth Guggenheim fu sperimentatrice visionaria, autrice di sculture-gioiello sospese in una dimensione formale tra monile e opera d’arte. Lavori al cui interno fioriscono rimandi impliciti a tradizioni arcaiche, retaggi che spaziano dall’archeologia greca o etrusca ai gioielli rituali sardi, sublimati nella composizione astratta, nell’estetica del teatrino o del mobile, che risente dell’esperienza di pioniere di riferimento come Louise Nevelson, Sophie Taeuber-Arp o Claire Falkenstein.

«Con Timeless Pendulum e Zenith Balance abbiamo allora le coordinate finali per poter dire che il legame che tali arnesi santi instaurano con il sacro non è solo quello con il mito, ma si legano a quel mito dei miti che è la cosmogonia, la creazione del mondo, la fondazione di tutte le cose», scrive Matteo Meschiari nel catalogo di mostra. «Proprio come l’atto di creazione del mondo accade col pronunciare parole per la prima volta, proprio come da queste parole nascono tempo e spazio, geografia e genealogia, umani e non-umani, animali e piante, piante e paesaggi, la personale cosmogonia di Ruth Guggenheim genera un mondo intero, che alcune decine di oggetti fatti lentissimamente a mano riescono a catturare, letteralmente, nelle loro trame». 

Oltre alle sculture-gioiello, saranno esposti disegni preparatori, taccuini e una serie di ritratti a matita e carboncino di Guggenheim, insieme a un dipinto e una scultura a figura intera realizzati da Costantino Nivola e mai esposti fino ad oggi.

L’esposizione si configura quindi come un omaggio a una donna dell’astrazione, legata a Nivola ma altresì indipendente nella sua riflessione artistica. 

Il catalogo di mostra è edito da Allemandi con testi di Matteo Meschiari, Claire Nivola e Teresa Kittler. Coordinamento di Anna Pirisi.

Munari e Regina. Le affinità concrete

A cura di Lorenzo Giusti e Chiara Gatti
Museo Nivola, 28 novembre 2026 – 21 marzo 2027

Bruno Munari (1907–1998) e Regina Cassolo Bracchi (1894-1974) hanno condiviso una stessa, intensa esperienza sullo sfondo di una delle stagioni più fertili e sperimentali dell’arte italiana del secondo dopoguerra. La mostra Munari e Regina. Le affinità concrete ne approfondisce gli aspetti salienti concentrandosi su un nucleo di opere che consentono di rileggere il dialogo tra i due artisti alla luce di alcune questioni ancora attuali. Tra queste, la dissoluzione dei confini disciplinari, il rapporto tra arte e pedagogia, la dimensione ambientale dell’opera, il nesso tra arte e design, la costruzione di nuove forme di esperienza dello spazio. 

Molte intuizioni sviluppate da Munari e Regina tra la fine degli anni Quaranta e i primi anni Sessanta, anticipano inoltre temi e sensibilità che attraversano oggi le pratiche artistiche contemporanee: l’opera come dispositivo aperto, la leggerezza come strategia progettuale, la modularità, la mobilità delle forme, la contaminazione tra linguaggi e la funzione sociale dell’arte. 

Con Nivola, Munari e Regina parteciparono alla II Quadriennale di Roma nel 1935, momento di transizione chiave per la ricerca astratta italiana; seguita, a un anno di distanza, dalla Mostra Internazionale di Scenotecnica, cui presero parte tutti e tre con progetti diversi in occasione della VI Triennale di Milano del 1936.

La scomposizione della forma indagata da Munari e Regina riecheggia nei rilievi coevi di Nivola, che condivide con i colleghi la pratica del costruire e la disciplina progettuale. L’artista sardo, che nel 1954 fondò il Design Workshop all’Università di Harvard, introducendo una didattica basata sull’eredità del Bauhaus e la sperimentazione libera, conosceva a fondo il concetto di spazio totale, di esperienza estetica dentro i luoghi dell’abitare, dell’emozione plastica generata dalla “sintesi delle arti”. Munari, nel 1967, ereditò la sua cattedra ad Harvard, dove fu invitato per un semestre a tenere lezioni sugli stessi temi.

La mostra si inserisce nel contesto del Museo Nivola non soltanto per le convergenze biografiche e culturali che avvicinano i due artisti a Costantino Nivola, ma anche alla luce di un’affinità che lega le rispettive ricerche a una stessa visione dell’arte come esperienza capace di trasformare lo spazio dell’abitare e contribuire alla costruzione di una sensibilità collettiva.

Realizzata in collaborazione con Archivio Bruno Munari, Archivio Regina, Archivio Corraini, Repetto Gallery. Catalogo Lenz, con testi dei curatori e un contributo storico critico di Nicoletta Boschiero, membro del Comitato scientifico del museo. Coordinamento di Rosella Sedda. 

Collezione. Capitolo primo. Andando

Museo Nivola, 28 novembre 2026 – 21 marzo 2027

In seguito al prestito di numerose opere della collezione alla Triennale di Milano in occasione della mostra Costantino Nivola. Scolpire il vento, il Museo Nivola presenta un nuovo allestimento della sua raccolta, ricalibrata nel percorso e nei contenuti sulla base dei lavori che resteranno in sede, grazie anche alla consulenza dell’architetto Alessandro Floris e del graphic designer Leonardo Sonnoli.

Un’occasione per indagare il patrimonio custodito nei depositi, valorizzare esemplari a oggi non esposti, accogliere ulteriori donazioni da parte degli eredi e creare narrazioni alternative e affondi inattesi. 

In Collezione. Capitolo primo. Andando, le tecniche e i linguaggi abbracciati da Nivola si dipanano seguendo un filo che intreccia connessioni fra le diverse sperimentazioni dell’artista. Tra queste la fotografia, al centro di una sezione collaterale – una mostra nella mostra – che, grazie alla collaborazione dell’Archivio Ilisso (catalogo Ilisso con testi di Anna Pirisi e Antonia Pintori) espone per la prima volta un ricco ciclo di immagini scattate da Nivola fra le vie di Orani, nel cuore del paese, nei primi anni Sessanta, fra la gente e gli angoli nascosti, la collina e la monumentalità algida della cava di talco. 

L’operazione si configura come un episodio di museografia tattica, ovvero un riallestimento provvisorio e dinamico che, anziché sostituire semplicemente le opere in prestito, produce nuove relazioni, accosta opere meno note e restituisce visibilità a nuclei della collezione finora rimasti ai margini del percorso permanente. 

Al loro fianco, in un ulteriore dialogo, saranno esposte opere di Munari e Regina, scelte per punteggiare il percorso in un gioco virtuoso di giustapposizioni impreviste. 

MUSEO NIVOLA

Il Museo Nivola di Orani, in provincia di Nuoro, è dedicato alla vita e all’opera di Costantino Nivola (Orani 1911 – East Hampton 1988). Gestito dall’omonima Fondazione, è nato nel 1995, pochi anni dopo la scomparsa dell’artista, con lo scopo di tutelarne e valorizzarne la ricerca e l’eredità.

Negli anni, si sono susseguiti progetti focalizzati sul suo lavoro o su autori coevi che ne hanno incrociato il percorso, oltre a mostre e residenze che, indagando i linguaggi del contemporaneo, continuano a coltivare oggi sottili e motivati nessi con il suo lascito ideale.

La struttura che ospita il museo, divisa in tre corpi principali distillati lungo la collina affacciata sul paese, all’altezza della sorgente di Su Càntaru, è frutto di un piano architettonico firmato da Peter Chermayeff, seguito poi nel tempo da Umberto Floris e Sebastiano Gaias, Gianfranco Crisci e Alessandro Floris. Pensato come un museo monografico, ma anche come un laboratorio vivace, dove arte, architettura, natura e paesaggio dialogano armonicamente, ricopre un ruolo cruciale per lo studio incentrato sulla figura di Nivola e, insieme, una funzione civile per il coinvolgimento delle comunità locali in programmi che, nel rispetto della lezione del maestro, attivino la partecipazione e abitino lo spazio pubblico.

La collezione permanente, esposta a rotazione, vanta centinaia di opere plastiche, dipinti, disegni e molti esemplari dei celebri sandcast, tutti testimoni di ogni fase della sua riflessione e della sua sperimentazione politecnica, destinata a segnare un capitolo importante delle speculazioni moderne sul rapporto fra scultura, ambiente e disciplina del progetto. Con la sua attività costante, il Museo Nivola sostiene la crescita culturale collettiva e anima storia e memoria del territorio che lo abbraccia.

Museo Nivola
Via Gonare 2, 08026 Orani (Nu)
T +39 0784 730063
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info@museonivola.it

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Nell’ambito del nuovo programma Nivola vis-à-vis, pensato per mettere in dialogo Costantino Nivola (1911-1988) con figure cruciali nel panorama artistico del suo tempo, il Museo Nivola di Orani presenta, dal 23 luglio al 25 ottobre 2026, la mostra Nivola, Colombo e lo spazio intorno. 

A cura di Chiara Gatti e Anna Pirisi, in collaborazione con l’Archivio Gianni Colombo di Milano, l’esposizione è il cuore di STANZE, il primo capitolo di una narrazione in tre atti che Chiara Gatti, direttrice artistica del Museo Nivola, ha ideato per il programma espositivo dell’estate – autunno 2026.

Il progetto di mostra, a sua volta sviluppato lungo tre stanze, tre ambienti, tre luoghi da attraversare ed esperire, indaga il tema dello spazio e il linguaggio sperimentale dell’ambiente, quale luogo di relazioni fra il nostro corpo e la dimensione abitabile che lo accoglie, le sue prospettive, i volumi, il vuoto e la luce. 

Ecco allora la Stanza dei sogni di Nivola, lo Spazio elastico di Gianni Colombo e la Stanza della memoria per l’attivazione del ricordo collettivo. Una narrazione in tre momenti, in stanze tripartite, come nelle unità ritmiche delle canzoni antiche; partendo dalla memoria corale, scaturisce una riflessione più ampia sul modo in cui abitiamo e percepiamo lo spazio. L’esperienza sensoriale del pubblico si misura infatti con la ricerca degli artisti e, insieme, con lo spazio stesso che lo ospita. 

La ragione scientifica del progetto nasce da una coincidenza significativa di date. Il primo studio di ambiente di Costantino Nivola risale al 1968: è il Modello per il monumento ad Antonio Gramsci, eseguito nello stesso anno in cui Gianni Colombo espose il suo Spazio elastico alla Biennale di Venezia. 

Ragionare sullo spazio in termini di attraversamento è ciò che Nivola negli anni Sessanta fece con i suoi monumenti orizzontali, come il progetto per Piazza Satta. Emergono così tangenze fra maestri, nella costruzione e nelle traiettorie della luce che qualifica lo spazio. «Una luce che entra attraverso la finestra – diceva Nivola – per dissolvere l’oscurità persistente/ Dal mio tempio e prigione dell’intimità/ E i miei sogni ad occhi aperti». Nella ricerca estetica di Nivola, la stanza assume il valore di una misura primaria dello spazio: non semplice ambiente architettonico, ma luogo costruito attorno alla nostra presenza. Lo spazio abitato diventa così nucleo essenziale della sua speculazione, un volume concepito per accogliere, definire e mettere in relazione l’uomo con ciò che lo circonda. Questa idea attraversa costantemente il suo lavoro, dove architettura, scultura e quotidianità si fondono in una visione profondamente umana dello spazio, reificandosi poi nei “teatrini”, basati su forme modulari, su rapporti matematici e proporzionali. In filigrana emerge anche una lieve tensione evocativa, capace di richiamare una sfera enigmatica e contemplativa. Le “scatole dei sogni”, i teatrini, esplorano dunque il nostro calarci in un interno, nella prospettiva che ci inghiotte, quali attori silenti di una rappresentazione orfana di copione, ma sospesa in un tempo che tradisce il divenire nel modificarsi della luce. 

La riflessione di Colombo si apre, a sua volta, al tema dell’esperienza. «Ho pensato di lavorare più sulle condizioni dello stato di equilibrio, di sensazione e di rapporto con lo spazio dello spettatore – diceva – invece di dare forma a uno spettacolo visivo, complesso e di carattere scenografico […]. Cercavo la possibilità di inglobare questo tipo di sensazioni a livello di un’opera da fruire come un fattore emozionale e un fatto espressivo». (Gianni Colombo, dattiloscritto, 1964/65). La ricostruzione in dimensione abitabile della Stanza dei sogni, in dialogo con lo Spazio elastico di Colombo, produce un passaggio di esperienze percettive, fra spaesamento, coordinate mutevoli e fughe illusionistiche. 

In relazione ad esse, la terza stanza è studiata per accogliere la memoria collettiva, in una azione di cittadinanza attiva, che trasforma lo spazio da contenitore neutro a pensatoio, a dispositivo di raccolta dei ricordi, attraverso linguaggi diversi, voci, sguardi, scrittura, immagini, gesto minimale ma cruciale per la formazione di un archivio che verrà, a tutti gli effetti, custodito dal museo. Il Lavatoio si fa luogo di incontro e scambio, dove memoria, arte e comunità si intrecciano in una nuova esperienza condivisa.

Evento collaterale
Omaggio a Grazia Deledda
Museo, 24 luglio – 20 settembre

A cento anni dal Premio Nobel conferito a Grazia Deledda, il Museo accoglie nelle sale della collezione permanente la scultura in bronzo realizzata da Costantino Nivola a metà degli anni Settanta in omaggio alla grande scrittrice nuorese. L’opera, concessa in prestito dal Banco di Sardegna, sarà esposta in parallelo con la mostra estiva, nel nuovo spazio del lucernario. 

Sponsor istituzionali
Regione Autonoma della Sardegna, Comune di Orani, Provincia di Nuoro

Principale sostenitore
Fondazione di Sardegna

Si ringraziano
Archivio Gianni Colombo
Vittoria Soddu
Sardegna Film Commission
Proloco Orani
Angelino Mereu
Cantine Autori del vino

Realizzazione allestimento
Artigianato & Design di Pietro Fois

Progetto grafico
Leonardo Sonnoli

Stampa
Bioazione di Fabio Mila

Ufficio stampa Museo Nivola
Anna Defrancesco comunicazione
annadefrancesco.com
press@annadefrancesco.com| M +39 352 0080279

Progetto grafico Studio Leonardo Sonnoli
Gianni Colombo,  Foto di Oliviero Toscani © Archivio Gianni Colombo, Milano

Dopo l’importante ciclo di mostre concentrate su tre interpreti della scultura internazionale, Nathalie Du Pasquier, Mona Hatoum e Hannah Levy, il museo Nivola, dedicato alla figura e all’opera di un maestro del Novecento italiano, Costantino Nivola (1911-1988), torna a indagare aspetti ancora inediti della sua ricerca, legandola al tempo che ha attraversato, alle tendenze che ha abbracciato, ai nomi di altri artisti che hanno, realmente o idealmente, intrecciato il proprio percorso con il suo.

Curato dalla direttrice artistica Chiara Gatti, con il supporto del Comitato Scientifico, il programma dell’estate e dell’autunno 2026 metterà in dialogo Nivola con figure cruciali nel panorama artistico dell’epoca, in un gioco di sguardi cui allude il titolo di tutto il progetto, vis-à-vis, ovvero incontri visivi intensi, fatti di relazioni effettive o di vicinanze ideali. Lo sguardo di Nivola incrocia qui ilvolto degli altri; quel volto specchio di storie personali e, insieme, specchio di chi lo osserva, in una logica di riflessi che il filosofo francese Emmanuel Lévinas definiva “epifania del volto”; il volto è
il luogo dove l’altro si manifesta e, nello sguardo vicendevole, si instaura l’autentica relazione.

«Da un confronto con Claire Nivola, figlia dell’artista e portavoce della famiglia – dice la direttrice Chiara Gatti – è nata l’idea di lavorare sulle affinità elettive fra Nivola e i suoi contemporanei. Sarà fondamentale orchestrare il nuovo programma attorno alla sua figura, data la coincidenza con l’antologica che vedrà Nivola protagonista in autunno alla Triennale di Milano, occasione significativa per proporre ad Orani un ciclo di progetti eufonici».
Ecco allora Nivola vis-à-vis con autori che ne hanno condiviso le tensioni e le visioni. Sullo sfondo di un secondo dopoguerra eccitato di intuizioni, il radicale rinnovamento dei media, in senso tecnico ma soprattutto espressivo, contagiò una flotta di “giovani avventurosi”, come li avrebbe definiti Guido Ballo, che sulla scia di Fontana, Burri o Tàpies, manipolavano la materia con gesto demiurgico, e ne aprivano le possibilità allo spazio, a una nuova dimensione dello spazio, popolato di altrettante nuove forme plastiche. Arte astratta, nucleare, spazialismo, concretismo disegnarono costellazioni di programmi segnati tutti dalla vocazione sperimentale, dall’aggiornamento dei mezzi espressivi e da una collaborazione spontanea fra fervide menti attive su fronti diversi, spinte a dialogare fra loro per la creazione – citando Fontana – di quella “sostanza luminosa e malleabile” che è l’arte stessa.

Capitolo primo: STANZE
Nivola, Colombo e lo spazio intorno
Lavatoio 23 luglio – 25 ottobre
Tre stanze, tre ambienti, tre luoghi da abitare col corpo. La Stanza dei sogni di Nivola, lo Spazio elastico di Gianni Colombo e la Stanza della memoria quale luogo di attivazione del ricordo collettivo. A cura di Chiara Gatti e Anna Pirisi, in collaborazione con l’Archivio Gianni Colombo di Milano, la mostra presenta una narrazione in tre momenti, in stanze tripartite, come nelle unità ritmiche delle canzoni antiche; partendo dalla memoria corale, scaturisce una riflessione più ampia sul modo in cui abitiamo e percepiamo lo spazio. L’esperienza sensoriale del pubblico si misura
infatti con la ricerca degli artisti e, insieme, con lo spazio stesso che lo ospita.

La ragione scientifica: il primo studio di ambiente di Costantino Nivola risale al 1968: è il Modello per il monumento ad Antonio Gramsci, eseguito nello stesso anno in cui Gianni Colombo espose il suo Spazio elastico alla Biennale di Venezia.
Ragionare sullo spazio in termini di attraversamento è ciò che Nivola negli anni Sessanta fece con i suoi monumenti orizzontali, come il progetto per Piazza Satta. Emergono così tangenze fra maestri, nella costruzione e nelle traiettorie della luce che qualifica lo spazio. «Una luce che entra attraverso la finestra – diceva Nivola – Per dissolvere l’oscurità persistente/ Dal mio tempio e prigione dell’intimità/ E i miei sogni ad occhi aperti». Nella ricerca estetica di Nivola, la stanza assume il valore di una misura primaria dello spazio: non semplice ambiente architettonico, ma
luogo costruito attorno alla nostra presenza. Lo spazio abitato diventa così nucleo essenziale della sua speculazione, un volume pensato per accogliere, definire e mettere in relazione l’uomo con ciò che lo circonda. Questa idea attraversa costantemente il suo lavoro, dove architettura, scultura e dimensione quotidiana si fondono in una visione profondamente umana dello spazio, reificandosi poi nei “teatrini”, basati su forme modulari, su rapporti matematici e proporzionali. In filigrana emerge anche una lieve tensione evocativa, capace di richiamare una dimensione enigmatica e
contemplativa. Le “scatole dei sogni”, i teatrini, esplorano dunque il nostro calarci in un interno, nella prospettiva che ci inghiotte, quali attori silenti di una rappresentazione orfana di copione, ma sospesa in un tempo che tradisce il divenire nel modificarsi della luce.
La ricostruzione in dimensione abitabile della Stanza dei sogni, in dialogo con lo Spazio elastico di Colombo, produce un passaggio di esperienze percettive, fra spaesamento, coordinate mutevoli e prospettive illusionistiche: in relazione ad esse, la terza stanza è studiata per accogliere la memoria collettiva, in una azione di cittadinanza attiva, che trasforma lo spazio da contenitore neutro a pensatoio, a dispositivo di raccolta dei ricordi, attraverso linguaggi diversi, voci, sguardi, scrittura, immagini, gesto minimale ma cruciale per la formazione di un archivio che verrà, a tutti gli effetti,
custodito dal museo. Il Lavatoio si fa luogo di incontro e scambio, dove memoria, arte e comunità si intrecciano in una nuova esperienza condivisa.

Evento collaterale
Omaggio a Grazia Deledda
Museo, 23 luglio – 20 settembre
A cento anni dal Premio Nobel conferito a Grazia Deledda, il Museo accoglie nelle sale della collezione permanente la scultura in bronzo realizzata da Costantino Nivola a metà degli anni Settanta in omaggio alla grande scrittrice nuorese. L’opera, concessa in prestito dal Banco di Sardegna, sarà esposta in parallelo con le mostre estive, nel nuovo spazio del lucernario.

Capitolo secondo: LE RELAZIONI FRUTTUOSE
Ruth Guggenheim. Sculture leggere
Lavatoio e Museo 13 novembre 2026 – 21 marzo 2027
In contemporanea con la grande mostra antologica dedicata a Costantino Nivola dalla Triennale di Milano, il museo di Orani accoglierà un progetto realizzato grazie a opere in parte inedite e appartenenti alla famiglia, utili per analizzare a fondo la figura di Ruth Guggenheim (classe 1917), moglie di Costantino Nivola. Anche Ruth, cresciuta nelle aule dell’ISIA di Monza, fu sperimentatrice visionaria, autrice di sculture-gioiello nate dalla precisione artigianale nella resa di veri e propri monili, proiettati poi nella dimensione formale dell’opera plastica. Il gioco di rimandi a tradizioni arcaiche o vernacolari, cela un connubio di retaggi, fra ornamenti dei nativi americani e gioielli rituali sardi, sublimati però nella composizione astratta, nell’estetica del teatrino o del mobile, che risente dell’esperienza di pioniere di riferimento, come Louise Nevelson, Marcelle Cahn o Claire Falkenstein. Un omaggio importante a una donna dell’astrazione, legata a Nivola
ma altresì indipendente nella sua riflessione artistica. La mostra prevede inoltre una serie di ritratti, fra oli e disegni, di Ruth realizzati dal marito e mai esposti fino ad oggi.

Nivola con Munari e Regina
Il Museo Nivola presenta un dialogo virtuoso, un incontro ravvicinato fra autori che hanno condiviso una stessa, intensa esperienza, sullo sfondo di una delle stagioni più fertili e sperimentali dell’arte italiana del secondo dopoguerra.
Senza puntare a costruire una ricognizione esaustiva delle loro carriere, la mostra si concentra su un nucleo selezionato di opere e documenti che consentono di rileggere il dialogo tra i due artisti alla luce di alcune questioni attuali: la dissoluzione dei confini disciplinari, il rapporto tra arte e pedagogia, la dimensione ambientale dell’opera, il dialogo tra arte e industria, la costruzione di nuove forme di esperienza dello spazio. Molte intuizioni sviluppate da Munari e Regina tra la fine degli anni Quaranta e i primi anni Sessanta anticipano temi e sensibilità che attraversano oggi le pratiche artistiche contemporanee: l’opera come dispositivo aperto, la leggerezza come strategia progettuale, la modularità, la mobilità delle forme, la contaminazione tra linguaggi e la funzione sociale dell’arte. In questo senso la mostra, a cura di Lorenzo Giusti e Chiara Gatti, si inserisce naturalmente nel contesto del Museo Nivola. Non soltanto per le convergenze biografiche e
culturali che legano i due artisti a Costantino Nivola, ma perché le loro ricerche condividono una stessa visione dell’arte come esperienza capace di trasformare lo spazio dell’abitare e contribuire alla costruzione di una sensibilità collettiva.
Nivola, Munari e Regina parteciparono alla II Quadriennale d’Arte Nazionale di Roma nel 1935, momento di transizione chiave per la ricerca astratta italiana, seguito, a un anno di distanza, dalla Mostra Internazionale di Scenotecnica, cui presero parte tutti e tre con progetti diversi in occasione della VI Triennale di Milano del 1936. All’epoca, Nivola collaborò con Giuseppe Pagano e altri maestri, realizzando tempere e pitture murali per le quinte delle sale, mentre Regina espose costruzioni in lastre di metallo, scenoplastici in 3D. La scomposizione della forma indagata da
Munari e Regina distingue i rilievi coevi di Nivola che condivide con i colleghi la pratica del costruire e la disciplina del progetto. Nivola, che nel 1954 fondò il Design Workshop della Università di Harvard, introducendo una didattica basata sull’eredità del Bauhaus e la sperimentazione libera, conosceva a fondo il concetto di spazio totale, di esperienza estetica dentro i luoghi dell’abitare, dell’emozione plastica generata dalla “sintesi delle arti”. Munari, nel 1967, ereditò la sua cattedra ad Harvard, dove fu invitato per un semestre a tenere lezioni sugli stessi temi.
Pur nella dimensione raccolta, il progetto ambisce a inserirsi all’interno di una riflessione sul significato contemporaneo delle avanguardie del secondo dopoguerra. Accanto al contributo storico critico di Nicoletta Boschiero, membro del comitato scientifico del museo, verranno raccolte voci, pensieri e prospettive di curatori, direttori di museo, studiosi e artisti provenienti da diversi contesti geografici, chiamati a interrogarsi su quali aspetti di tali ricerche appaiono oggi ancora aperti, necessari e produttivi.

Capitolo terzo: CORRISPONDENZE
Lacci \ Orani 6X6
Museo 13 novembre – 21 marzo 2027
In autunno, il Museo Nivola ripenserà e presenterà al pubblico il nuovo allestimento della collezione permanente che, soggetta a un movimentazione dovuta alla grande mostra in omaggio a Costantino Nivola prevista per novembre alla Triennale di Milano (curata da Cecilia Alemani), dovrà essere ricalibrata nel percorso e nei contenuti sulla base delle opere che resteranno in loco.
Sarà occasione preziosa per indagare il patrimonio custodito nei depositi, valorizzare opere a oggi non esposte, accogliere altre donazioni da parte degli eredi e creare nuove connessioni e narrazioni fra gli esemplari conosciuti, con affondi inattesi. A distanza di quasi quindici anni dall’ultimo allestimento stabile della raccolta, il museo necessita di uno studio aggiornato delle sezioni che, realizzato a cura dello staff, con la consulenza dell’architetto Alessandro Floris e del designer Leonardo Sonnoli, offrirà al visitatore un taglio diverso e proposte di approfondimento tese ad analizzare i passaggi sottili fra le tecniche e i linguaggi sperimentati da Nivola, compresa la fotografia, al centro di una sezione collaterale – una mostra nella mostra – che, grazie alla collaborazione dell’Archivio Ilisso, esporrà al pubblico per la prima volta un ricco ciclo di immagini scattate da Nivola fra le vie di Orani, nel cuore del paese, fra la gente e gli angoli
nascosti, la collina e la monumentalità algida della cava di talco.

Evento collaterale
Giammarco Cugusi_Ritratto di comunità: Orani
Residenza e laboratorio ottobre-novembre
Il progetto si sviluppa in forma partecipativa. L’artista attraversa il paese, ascolta storie, raccoglie parole e apre spazi di confronto. A chi desidera prendere parte al progetto viene chiesto di donare un bicchiere della propria casa: un oggetto quotidiano, carico di presenza, memoria e affetti. Su ciascun bicchiere viene incisa una parola scelta dalla persona che dona l’oggetto, a partire dall’incontro e dallo scambio attivato nel dialogo con l’artista. Può essere un frammento di sé, una traccia che restituisce l’unicità della persona all’interno della comunità, oppure una parola capace di raccontare ciò che la comunità rappresenta per lei/lui. I bicchieri raccolti vengono poi disposti in una grande tavolata collettiva. L’installazione si configura come una costellazione di voci: una geografia silenziosa ma tangibile, in cui ogni elemento custodisce una storia. Le incisioni si offrono come solchi, come tracce — quasi fossero un vinile collettivo capace di trattenere e restituire memoria. Nel giorno conclusivo, la tavola si attiva attraverso un brindisi aperto a tutti. Ognuno, dopo aver partecipato, prende con sé il bicchiere utilizzato (non il proprio) e lo porta via. In questo gesto semplice e poetico si compie lo scambio: ciascuno si prende cura di un frammento dell’altro, anche senza conoscerne l’origine.

Grafica a cura di Leonardo Sonnoli